It Should Happen To You

La mia storia adesiva.

Nei primi Anni Novanta, tornato definitivamente dal mio periodo londinese, praticamente un’esperienza ai confini del bohémien, aggregai un piccolo gruppo di artisti. Eravamo in quattro: Giuseppe Polegri, Marco Evangelista, Paolo Tognon e il sottoscritto. Avevamo tutti esposto alcune volte con l’Associazione dei 100 Pittori di Via Margutta, dove ci siamo conosciuti. I primi incontri li abbiamo fatti nella piccola ma antica latteria di Campo di Fiori, adiacente alla famosa piazza di Roma, e tra un buon cioccolato caldo e delle paste fresche iniziammo a progettare il nostro futuro di artisti all’arrembaggio.

Appena diventammo un po’ meno teorici e più operativi passammo dalla latteria alla casa di uno di noi. Infatti, Giuseppe Polegri viveva solo con il suo mutuo, ma se lo poteva permettere perché già lavorava come grafico per la prestigiosa Enciclopedia Italiana Treccani. Dopo poco cominciammo a organizzare mostre più che altro in spazi alternativi e allo stesso tempo iniziammo ad assistere a diversi convegni sull’arte che si svolgevano in varie sedi. In uno di questi, che si era tenuto al Palazzo delle Esposizioni di Roma (non ricordo se organizzato da Laura Cherubini o Ludovico Pratesi) conoscemmo Carolyn Christov-Bakargiev, che aveva in pratica parlato dell’intera storia dell’arte contemporanea. Carolyn alla fine della presentazione espresse la sua disponibilità a incontrare giovani artisti con i quali, sosteneva, trovava sempre interessante parlare. Ricordo che questa esplicita apertura della storica d’arte, allora non ancora famosissima, ci colpì particolarmente, tanto che incamminandoci verso l’uscita del palazzo (quella che portava alla scalinata sul Traforo Umberto I) iniziammo a parlarne vivacemente tra noi e, prima che riuscissimo a guadagnare l’uscita, i miei compagni trovarono il modo di convincermi ad andare a parlarle, visto che loro erano tutti più timidi e introversi di me per farlo. Allora mi feci coraggio e andai a presentarmi alla Christov-Bakargiev, che si era fermata a conversare con alcune persone. Si rivelò molto cordiale e gentile e mi dette il suo numero di telefono. Dopo qualche giorno la chiamai e ci incontrammo al bar del Palazzo delle Esposizioni, dove, davanti a una spremuta d’arancia per lei e un tè freddo per me, parlammo un po’ e le feci vedere una specie di portfolio che avevo preparato per l’occasione. All’interno di questo, oltre alla riproduzione di qualche mio quadro, c’erano anche le foto di alcune mie performance e installazioni con sagome di ombre colorate e altre con le mie smorfie (le “Smorfie” sono foto-ritratti scattati alla fine degli Anni Ottanta e che iniziai a utilizzare nei primi Anni Novanta per varie installazioni ed eventi. Ho poi creato una serie di adesivi che ho incominciato ad attaccare in giro per la città, non solo a Roma, ma ovunque il destino mi portasse).

DISORDINAZIONI E SMORFIE

Ricordo che Carolyn a un certo punto mi chiese chi fosse il mio artista preferito e io, che avevo da poco superato la mia fase espressionista, evitai di nominarle Kokoschka, Schiele, Klimt, Soutine, Rouault ed Ensor, e risposi Keith Haring. Quindi parlammo ancora un po’ e, prima che si congedasse, mi consigliò di frequentare alcuni artisti romani facendomi i nomi di Cesare Tacchi, Renato Mambor e Sergio Lombardo. Fu proprio quest’ultimo che andai a trovare al Centro Studi Jartrakor da lui stesso fondato e che si trova ancora oggi a via dei Pianellari a Roma. Anche lui si dimostrò alquanto disponibile e mi invitò a partecipare alle riunioni e ai dibattiti che si svolgevano al centro, cosa che feci. Da Jartrakor conobbi Miriam Mirolla, Paola Ferraris, Roberto Galeotti, Giovanni Di Stefano, Piero Mottola, Giuliano Lombardo (figlio di Sergio) e Cesare Pietroiusti, che di Carolyn Christov-Bakargiev era il marito, ma lei non mi disse che avrei potuto incontrarlo, anche perché era il periodo che Cesare si era un po’ allontanato dal gruppo degli Eventualisti e dalla Teoria Eventualista di cui Lombardo è il fondatore. Fu qui che nacque il Bollettino delle DisordinAzioni su iniziativa di Giuliano Lombardo, che ne fu il promotore, ma al quale, già dal secondo numero, contribuimmo con forte entusiasmo anche noi quattro. Il primo gruppo operativo di DisordinAzioni all’interno del quale portai i miei non fratelli di latte, ma compagni di latteria (Giuseppe Polegri, Marco Evangelista, Paolo Tognon) e altri (Sandro Zaccardini, Sergio Caruso, Patrizio Pica, Antonio Colantoni, Alessio Fransoni, Lorenzo Busetti) prese vita allo studio di Pietroiusti che si trovava a vicolo Savelli. Fu con questi, ai quali si aggiunse qualche volta anche Lucia Pietroiusti (la figlia di Cesare), che organizzammo le prime scorribande notturne del gruppo per la città di Roma. Tutti i diversi interventi urbani da noi compiuti finivano, o meglio erano raccolti e pubblicati, nel Bollettino delle DisordinAzioni che non aveva una periodicità definitiva, ma che ebbe quattro uscite negli anni dal 1994 al 1998. I progetti, o meglio gli interventi urbani da me compiuti e poi pubblicati sui vari bollettini, sono i seguenti: C.U.S. ‒ Cerca ed Usa la Smorfia, Come contaminare artisticamente la propria giornata (da me poi denominato P.B.A. ‒ Progetto Biglietto Arte), A.R.A.P. ‒ Associazione Recupero Arte Perduta, R.S.S. ‒ Rebus Sic Stantibus. Per tutti questi progetti vi era sempre una componente che prevedeva l’affissione di adesivi o volantini. Di questi miei interventi quello più conosciuto è sicuramente il progetto C.U.S., che consiste di adesivi della mia faccia che fa delle smorfie riprodotte in vari formati e spalmate ovunque nelle città: ve n’è pure una versione con una scritta intorno che così riporta: “Contribuite a contaminare la città con una vostra opinione sul fenomeno ‘pubblicità’ oppure scrivete ciò che volete” e sotto vi è uno spazio per quelli che vogliono scrivere la loro. Se mi capitava, o se tuttora mi capita, di ritrovarne qualcuno con delle scritte, lo recupero o lo fotografo (spesso entrambe le cose). Da quando poi vi è stato il boom della Street Art, invece che le scritte capita di trovarvi sopra degli adesivi, il che va benissimo ugualmente.

GIOCHI DEL SENSO E/O NONSENSO 

Subito dopo DisordinAzioni, a seguito di nuove amicizie e conoscenze, si formò il gruppo dei “Giochi del e/o nonsenso” composto da me, Lorenzo Busetti, Sergio Caruso, Antonio Colantoni, Claudia Colasanti, Bruna Esposito, Marco Evangelista, Alessio Fransoni, Patrizio Pica, Cesare Pietroiusti, Giuseppe Polegri, Paolo Tognon, Sandro Zaccardini ed Edoardo De Falchi, e fu lui che scrisse e poi pubblicò nel 1998 il libro "Non è vero. Un’avanguardia subliminale di massa", edito dalla Odradek.

Edoardo, appena presentatomi, volle esprimermi immediatamente il suo entusiasmo e interesse per quel mio adesivo con la faccia che aveva trovato appiccicato ovunque per la città, e mi disse che ne era rimasto così colpito e incuriosito che voleva farne oggetto di una pubblicazione, insomma lo invitammo a partecipare alle riunioni del gruppo delle DisordinAzioni che giusto in quei giorni si stava trasformando nel gruppo dei “Giochi del senso e/o nonsenso”. Poi, per quei fatti strani della vita che a volte avvengono in virtù delle dinamiche di gruppo e delle simpatie e antipatie che sorgono all’interno delle redazioni, in quel libro uscì a stento una singola e striminzita paginetta che mi riguardava, benché io ne fossi stato la fonte d’ispirazione. Purtroppo, ancora oggi, di questa vicenda, non mi conforta molto il fatto che, lamentandomene con gli addetti ai lavori, qualcuno mi dica: “E buon per loro che alla fine si siano degnati di metterla, almeno quella paginetta, perché tu sei, forse, l’unica prova tangibile, e ancora esistente, che qualcosa di quello di cui si parla nel libro sia realmente avvenuto”.














ORESTE

Il gruppo dei “Giochi del senso e/o nonsenso”, dopo aver partecipato alla Quadriennale di Roma nel 1996, coinvolto da Cesare Pietroiusti il quale era stato invitato ufficialmente, si sgretolò a causa della preoccupazione di quasi tutti i componenti, escluso il sottoscritto, che il merito del progetto Invito alla XII Quadriennale fosse riconosciuto solo ed esclusivamente a Cesare. Fu così che i “Giochi” si liofilizzarono e io e Cesare passammo alla nuova entusiasmante avventura del Progetto Oreste all’interno del quale, oltre a diversi altri compiti, detti il mio contributo adesivo con la realizzazione dell’Album di Oreste Zero nel 1998 e dell’Album di Oreste Uno nel 1999 (usciti sempre un anno dopo la residenza). Gli album dovevano essere compilati con le figurine, stile quelle dei calciatori, di tutti i partecipanti delle residenze a Palianello (nel comune di Paliano, in provincia di Roma), ma vi sono anche figurine di alcuni momenti conviviali e grafici statistici da me sviluppati. Album di Oreste Uno fu presentato a Venezia all’interno della programmazione di Oreste at the Venice Biennal invitati come “Gruppo Oreste” da Harald Szeemann a partecipare alla 48. Biennale di Venezia. Sempre lo stesso anno organizzai all’interno dello spazio a noi assegnato nell’ex Padiglione Italia ai Giardini della Biennale anche una tre giorni d’incontri e presentazioni sugli “Adesivi Urbani Autoprodotti” e invitai a partecipare Vittore Baroni e Piermario Ciani. Conobbi Piermario a Bologna, mi venne a cercare perché aveva visto/trovato le mie facce a Venezia, e voleva parlarmi della sua esperienza con gli adesivi. Mi raccontò inoltre che faceva parte del collettivo Luther Blissett, un gruppo di attivisti culturali che volevano denunciare e criticare il sistema mass-mediatico, che era esattamente anche il mio stesso intento. Parlammo un bel po’ e, prima di salutarci, lo invitai alla residenza di Oreste 2 a Montescaglioso (Matera) per conoscerci meglio, e così fu.

STORIE ITALIANE

Quando Egidio Emiliano Bianco, uno storico dell’arte che si stava specializzando sulla storia della Street Art, mi ha chiesto per la sua ricerca come nasce questa mia idea della faccia, gli ho raccontato di quando negli Anni Settanta la RAI ‒ Radiotelevisione Italiana faceva vedere i film di mattina per fare le famose prove tecniche di trasmissioni e io vidi un film che si intitola La ragazza del secolo (It Should Happen To You il titolo originale). Questo film, che è sempre rimasto nella mia memoria latente, credo abbia influenzato e determinato in qualche modo la nascita di questo mio progetto adesivo forse più di qualsiasi altra cosa. Se si pensa, poi, che il film è del 1954, come suggerisce Egidio, potrebbe considerarsi quasi una sorta di manifesto ante litteram di quello che avrebbero fatto molti artisti da lì a qualche decennio. Ma determinante fu probabilmente anche la lettura del libro 1984 di George Orwell che però feci solo in seguito.

STREET ART
“Come immaginare nuove storie per l’arte italiana?”, è quello che ci si è domandati ultimamente in un talk a miart. Ma, forse, non è questa la domanda giusta da porsi, né tanto meno il percorso da intraprendere, perché non c’è proprio nulla da immaginare, le storie in Italia ci sono, e non c’è bisogno di inventarne di fittizie, bisogna solo avere il coraggio di sostenerle. E mentre noi ci poniamo interrogativi sbagliati, da altre parti si sono già messi al lavoro: come per esempio a Nizza, dove in un seminario transdisciplinare internazionale dal titolo Street Art Europe, a cura di Edwige Comoy Fusaro e Hélène Gallard, hanno cercato di ricostruire la storia della Street Art in Europa. Per cui io credo che più che immaginare storie dovremmo imparare a guardare lì dove le storie già ci sono e incominciare a raccontarle. Come ha fatto Egidio Emiliano Bianco che lì (in Francia) ha raccontato un pezzetto della mia storia. Ma purtroppo, come ben sappiamo, in Italia la verità deve sempre percorrere strade tortuose e non è detto che venga conquistata.

Pubblicato sul sito di“Artribune” 5 maggio 2018

Questo il cappello a cura della redazione:

Fra Street Art e dibattito, la storia di Pino Boresta raccontata dal suo protagonista, che rievoca amicizie e collaborazioni. A partire da un adesivo.

In foto:

Io tra due Manifesti Rettificati (foto di Rita Restifo).

Il gruppo Disordinazioni.  

Alcuni miei adesivi CUS recuperati.

Combo ante-litteram esposto alla Biennale di Venezia del 1999.

Bustina dell’Album Oreste Uno.

Alcune figurine dell’Album Oreste Uno.

Frame del film "It Should Happen To You"

Vocazione al martirio

Vocazione mARTirio

“L’arte sta passando un periodo nefasto, terribile, come tutta la società”.

Goffredo Fofi

Sarà che con il filosofeggiare io non ho mai avuto grande dimestichezza, specialmente quando gli argomenti incominciano a ingarbugliarsi nella mia mente affastellandosi come fossero enunciati metalinguistici o addirittura concetti che prendono la forma, per certi aspetti quasi ermetici, ma molto probabilmente è un mio limite. Non me ne vogliano se dico questo, ma a me sembra che nessuno dei quattro ‒ Gian Maria Tosatti, Christian Caliandro, Raffaele Gavarro e Filippo Riniolo ‒ abbia affrontato realmente quale sia il principale problema dell’arte contemporanea italiana e forse, non solo italiana, anche se da noi, come sempre, le distorsioni socio-culturali si diffondono a macchia d’olio e vengono ampliamente cavalcate perché pensiamo di essere i più furbi del globo.

I PERICOLI DELL’ART SYSTEM

Io credo che l’arte contemporanea italiana debba smettere di essere appannaggio dei rampolli delle famiglie-bene, semplicemente perché grazie a loro si riesce spesso a immettere moneta fresca e sonante all’interno dell’Art System, sempre più avido di risorse finanziarie. È vero che poi il tempo eseguirà un ripulisti, cioè farà una sorta di piazza pulita di questi artisti e della loro produzione artistica, ma nel frattempo è l’arte quella meritevole di attenzione, quella degli artisti sinceri che ne paga le dure conseguenze, e di rimbalzo tutto il sistema dell’arte italiana ne soffre fortemente, accentuando sempre di più la sua marginalizzazione nel contesto internazionale. Tutto questo perché se noi ci riteniamo i più furbi, in realtà, tutti gli altri non sono affatto scemi e vedono bene le storture che nel “Bel Paese” avvengono, specialmente quando si vogliono far passare per grandi artisti coloro che in realtà hanno ben poco da dire, e quel poco che hanno da dire lo dicono pure male. Io in più di trent’anni di militanza ho conosciuto e conosco fior fior di artisti che avrebbero meritato e meriterebbero di diritto di calcare i più importanti palcoscenici internazionali, ma questo non avverrà mai, perché se pur in cuor suo qualcuno pensasse che abbia ragione, come ho già avuto modo di scrivere da qualche parte “… in Italia non si pratica il buon senso, ma piuttosto la regola del dispetto”, per cui informo tutti coloro che dovessero odiarmi ancora di più per questo scritto/denuncia: non abbiate paura, sarete ancora e per sempre voi a calcare le scene nazionali e internazionali più importanti e se il tempo farà giustizia a voi che ve ne frega, visto che probabilmente né io né voi ci saremo più.

ARTE E VOCAZIONE AL MARTIRIO

Chi invece secondo me ha centrato il problema è stato Goffredo Fofi. “L’arte oggi è una forma di comunicazione, e quindi è una merce, ma quando la comunicazione è unilaterale, diventa un potere che ci impone cosa vedere, cosa mangiare, cosa leggere, cosa pensare, cosa ascoltare, e questo fa sì che il valore etico dell’arte sparisca e rimanga solo il prodotto, una merce in mezzo a tante altre merci”. Questo in sostanza quello che afferma Goffredo Fofi in un video su Internet nel quale ribadisce l’importanza dell’arte. Perché l’arte dice le cose che non si riescono a dire nella vita quotidiana, dice il di più, dice l’altro, dice l’utopia, dice la paura, dice tutto quello che fa parte dell’umano e che la politica, la società, l’organizzazione civile non riesce ad assolvere. L’arte appaga, nella concretezza dei giorni, quel bisogno di “oltre” dell’essere umano, che in genere è assolto dalle religioni. E siccome oggi l’arte è estremamente mortificata dal mercato, bisogna farla rivivere attraverso le minoranze esistenti, che però sono troppo marginalizzate e fuori dai grandi giri. E se è vero, come dice papa Bergoglio, che ogni epoca deve ridefinire cosa è Dio, allo stesso modo ogni epoca deve ridefinire cosa è arte. Perché solo l’artista che riesce a interpretare e a raccontare il tempo che cambia trovando nuove forme di comunicazione non sparirà. Questo il Fofi pensiero che chiede agli artisti di essere anarchici, e di andare fino in fondo alle loro convinzioni, osando di più. La sfida di ogni vero artista deve partire dalla convinzione che non c’è più niente da fare, solo così riuscirà, forse, a dire cose utili agli altri. Rinunciare a questa sfida è come rinunciare all’arte. L’unica salvezza è l’arte come disobbedienza. “Alcuni hanno la vocazione al martirio”, dice uno dei personaggi di Ingmar Bergman, non ricordo in quale film. Caro Goffredo, mi sorge allora un dubbio, che debba essere questa, cioè il martirio, l’unica vera e necessaria vocazione di un artista?

Pubblicato sul sito di“Artribune” 15 febbraio 2018.

Questo il cappello a cura della redazione:

L’unica vocazione che deve caratterizzare un artista è quella al martirio? Anche Pino Boresta partecipa al dibattito sull’arte contemporanea italiana innescato dalle parole di Gian Maria Tosatti.

In foto:

Io nei Giardini della Biennale di Venezia, un omaggio a Ifigenia di Cecilia Bartoli. due ritratti in omaggio a Goffredo Fofi.

Faccia a Faccia

Agendo/e a contatto

POSTFAZIONE

 “La mano scrive, la mano tocca, la mano ascolta, la mano questa volta impara ad ascoltare. La mano ascolta colui che legge, la mano ascolta colui che vibra, la mano questa volta registra il fremito, registra quel fremito altrui come regalo prezioso che conserverà e forse passerà a qualcun altro”.

Fare un’esperienza per contatto potrebbe essere una forma di conoscenza a rischio ma possibile, e a mio parere oggi esteticamente più che mai necessaria, nella cosiddetta arte contemporanea. Per questo motivo ho deciso di intraprendere questa mia performance durante l’esperimento relazionale tenutosi a Montefiascone nell’agosto 2017 e denominato Face to Face, a cura di Giorgio de Finis e dell’associazione ArteLiberaTutti (Marinella Breccola, Martin Figura, Carmine Leta, Saskia Menting, Francesco Marzetti, Martapesta, Regula Zwickyl). Ho ritenuto utile mettere in atto questa mio intervento anche per contestare il mondo del virtuale e tentare una risposta emotiva e politica che potesse ridurre le distanze e recuperare quel senso di responsabilità che colma quella solitudine dell’individualismo imperante, che genera mostri come quelli che al grido di “Allah Akbar” commettono orribili stragi che li portano solo alla sconfitta di loro stessi.

E forse se si vuole fare veramente una nuova esperienza nel campo dell’arte, oggi più di ieri, bisogna rinunciare al feticcio digitale (dove via Internet il proselitismo impera) e tornare al contatto umano, quello vero, quello del tastare le cose con mano anche quando ciò non sembrerebbe necessario, né richiesto, né opportuno, ma di fatto dovuto a tutti coloro che come San Tommaso vogliono toccare, vogliono mettere il dito nella piaga per sentire le emozioni reali che vibrano all’interno del corpo del Cristo o di un altro essere umano dentro il quale scorre sangue e non sequenze binarie del tipo 1100101110101101.

Ebbene sì! Perché toccare la parte nuda del corpo di una persona, mentre vi legge cosa ha scritto nelle pagine del diario di bordo di una vita intera, ho creduto potesse dare corso a un nuovo tipo di esperienza emozionale e in controtendenza alle abitudini della Generazione Y, sempre connessa. Ho creduto che in un mondo dove l’esperienza virtuale è vista come l’indagine più importante da indagare e sviluppare, fare qualche passo indietro e tornare al contatto reale, quello del corpo, quello della carne nuda e cruda, fosse la cosa giusta da fare. Ho creduto che rendere partecipe qualcun altro, oltre che dei miei pensieri, anche del batticuore del mio fragile corpo, e dello scorrere delle emozioni pulsanti in questo, potesse in qualche modo aiutare ambedue ad avere qualche informazione utile in più per accorciare quella distanza che sembra dividere sempre di più gli uomini del futuro. Ho voluto vedere fino a che punto ci si poteva spingere nel mettere in correlazione mondi diversi creando un cortocircuito in virtù della mise en place di una situazione imbarazzante, e analizzare così come questo dissimile mondo di ognuno di noi avrebbe reagito. E se pure oggi sembra che abbia tutto chiaro, in realtà ho fatto ogni cosa senza preoccuparmi di capire il perché delle motivazioni che mi inducevano a farla, ma piuttosto delle immotivazioni, poiché è già da qualche tempo che ho percepito che è tra le immotivazioni che ti spingono a non fare certe azioni che bisogna indagare, perché è qui che il campo d’azione e d’investigazione è molto più vasto e interessante. E non chiamate tutto questo “presentimento”, perché l’artista non ha presentimenti, l’artista ha intuizioni o tutt’al più pre-intuizioni. Grazie a questo mio approccio intuizionale sono riuscito a spostare lo spettatore verso un ruolo di partecipante, innescando una fruizione operativa tipica dell’Opera Aperta.

“E poi lo stato dei corpi si invertì e quella mano parlò. Quella mano che prima ascoltava, ora se vuole parlerà e dirà… dirà cosa ha prodotto in lei ciò che ha ascoltato. E io diventai lo spettatore”.

Questa è la spiegazione del progetto/performance riportato anche nel catalogo:

Arte, Varie e Io

Io possiedo una serie di agende sulle quali annoto tutti i miei appunti e sono di quattro tipi: ci sono quelle dove annoto argomenti riguardanti l’arte che trovo leggendo le riviste di settore e non, poi vi sono quelle dove annoto appunti riguardanti argomenti vari (di ogni tipo), in genere stralci di libri che ho letto, e quindi una terza dove annoto i miei pensieri scritti in prima istanza su foglietti e fogliacci sparsi qui e lì in ogni dove. Vi è anche una quarta serie di agende dove riporto tutti i numeri e i conti delle mie personalissime manie (in una di queste ci sono anche quelle che io chiamo litanie), questa per chiari motivi non sarà inclusa nel pacchetto per questo lavoro.

Per Face to Face porterò un’agenda per ogni serie e l’azione si svolgerà nel seguente modo:

Io e il visitatore saremo seduti uno di fronte all’altro.

Dopo aver spiegato la differenza di contenuto delle tre agende gli chiederò di sceglierne una e dirmi un giorno dell’anno. A questo punto io aprirò l’agenda proprio in quel giorno e leggerò cosa vi è scritto in quella pagina, mentre lui poggerà la sua mano su uno dei seguenti punti del mio corpo.

Queste le 10 unità:

Mano del visitatore sulla mia testa.

Mano del visitatore sul mio collo.

Mano del visitatore sulla mia spalla.

Mano del visitatore sul mio petto.

Mano del visitatore sulla mia pancia.

Mano del visitatore sul mio braccio.

Mano del visitatore sulla mia mano.

Mano del visitatore sulla mia coscia.

Mano del visitatore sul mio polpaccio.

Mano del visitatore sul mio piede.

Una volta che avrò finito di leggere, se avanzerà del tempo, la mano del visitatore dovrà mantenere il contatto con la parte del mio corpo che gli sarà stata casualmente assegnata e potrà scegliere se stare zitto per il tempo restante dei 10 minuti della performance, oppure esporre il suo punto di vista su ciò che gli è stato appena letto, dove potrebbe aver trovato un pizzico di premonizione, un consiglio o uno spunto di riflessione.

Qui alcuni esempi di quello che si potrebbe trovare nelle tre agende:

Agenda “Arte” alla pagina 28 novembre 1988

“Non trovo disdicevole per un artista parlare dei problemi nel proprio lavoro, e dunque delle emozioni che prova di fronte al mondo e alla vita. Se non fa questo, infatti, cosa ci sta a fare un artista? Capisco d’altra parte che un certo ripiegamento intimistico esistenziale possa in qualche modo tradire le attese di coloro che nell’arte chiedono una visione più politica delle cose, e dunque un impegno essenzialmente sociale e civile. Bene io non sono sicuro che tale impegno possa e debba essere così diretto come si pretendeva fino a non molti anni fa. Anche parlare di rose o di amore, in altri termini, ha una sua connotazione politica quando tutti parlano dei movimenti del marco e della lira”.

Emilio Isgrò

Agenda “Varie” alla pagina 23 giugno 1988

“Quando a una persona rimane soltanto la fama attribuitagli come un favore della benevolenza di una corte spettacolare, può cadere in disgrazia da un momento all’altro. Una notorietà antispettacolare è diventata una cosa rarissima: io sono uno degli ultimi viventi a possederne una; a non averne mai avuta un’altra. Ma è diventata anche estremamente sospetta. La società si è proclamata ufficialmente spettacolare. Essere noto al di fuori delle relazioni spettacolari equivale già a essere noto come nemico della società”.

Guy Debord

Agenda “Io” alla pagina 26 gennaio 1984

“Fin da giovane ho sempre cercato qualcosa di mio, profondamente mio, che potessi far da solo senza bisogno di

nessuno, senza il bisogno degli altri che diventavano sempre meno affidabili. Qualcosa che mi facesse stare con me, qualcosa che mi facesse stare bene quando lo facevo, ma che non fosse del tutto sconnesso con il mondo circostante, ma che anzi in qualche modo servisse e fosse utile a questo mondo circostante. E ho trovato l’arte. Bisogna sbrigarsi a fare qualcosa, a lasciare una traccia di sé prima che il caso ti porti via, via per sempre”.

Pino Boresta

Questa la breve storia di questa mia ultima fatica che potrete trovare, esclusa la postfazione, sul catalogo FACE To FACE ‒ The maieutic machine.

Vi troverete anche tanti altri testi e storie singolari scritte dai seguenti partecipati: Pasquale Altieri, Paolo Angelosanto, Francesco Bancheri, Barracuda Trio, Fabio Benincasa, Sara Bernabucci, Gabriele Boccaccini, Fausta Bonaveri, Pino Boresta, Nicoletta Braga, Gerafin Brunur, Paolo Buggiani, Livia Cannella, Joshua Cesa, Mario Ciccioli, Anna Maria Civico, Angelo Colagrossi, Cobol Pongide, Mauro Cuppone, Gianfranco D’Alonso, Giovanni De Angelis, Aurelia Delfino, Giorgio de Finis, Massimo De Giovanni, Daniela De Paulis, Francesco D’Incecco, Salvatore Dominelli, Santino Drago, EPVS, Alessandro Ferraro, Martin Figura, Francesca Fini, Giulia Fiocca, Marco Fioramanti, Hans Janos Fischer, Simona Frillici, Roberta Gentili, Riccardo Chiodi/ Piotr Hanzelewicz, Andreas Kloker, Hans-Hermann Koopmann, Natasa Korosec, Illimine Collective, Itto, Andrea Lanini, La Voce dell’Innocenza, Carmine Leta, Ada Lombardi, Giuliano Lombardo, Nora Lux, Mauro Magni, Marcello Mantegazza, Salvatore Manzi, Florencia Martinez, Nicolas Martino, Martapesta, Francesco Marzetti, Riccardo Marziali, Massimo Mazzone, Antonio Milana, Veronica Montanino, Maria Giovanna Musso, Omino 71 Eredi, Massimo Orsi, Anna Maria Panzera, Monica Pirone, Anna Pironti, Cristina Pistoletto, Carlo Prati, Elisa Resegotti, Giulia Fiocca/Lorenzo Romito, Paola Romoli Venturi, Barbara Salvucci, Cinzia Sarto, Stefano Sevegnani, Ivana Spinelli, Silvia Stucky, Stefano Taccone, Francesco Saverio Teruzzi, Alberto Timossi, Daniele Vazquez, Samuele Vesuvio, Daniele Villa Zorn, Paola Zanini, Luciano Zucaccia, Regula Zwicky.

Pubblicato sul sito di “Artribune”  3 febbraio 2018

Questo il cappello a cura della redazione:

L’artista romano descrive la sua performance andata in scena nel 2017, durante un esperimento relazionale tenutosi a Montefiascone, e poi confluito in un libro, a cura di Giorgio de Finis.

In foto:

Due momenti della performance, due ritratti omaggio ad Emilio Isgrò ed a Guy Debord, il catalogo di Face to Face.

Chiara vive

 Chiara Fumai

Chiara Fumai è viva.

Chiara è viva.

Chiara è viva e noi siamo morti.

Chiara è viva e pure io non mi sento tanto bene.

Chiara è viva e io non mi sento bene.

Chiara è viva e noi?

Mi è venuta voglia di morire.

… e sì! Cari, miei dopo aver letto tutte le belle parole, gli apprezzamenti e gli encomi dispensati da molti addetti ai lavori, all’artista Chiara Fumai trovata morta nella galleria Doppelgaenger di Bari dove era ospitata è sopraggiunto pure a me il desiderio di morire, per ricevere elogi a profusione.

… e sì! Devo proprio confessarvelo, questo desiderio c’è stato. Panegirici sentiti, lodi appassionate e coccodrilli commoventi di conoscenti e non mi hanno fatto desiderare qualcosa che sembra assurdo dire, lo so, ma è così!

… e sì! Cosa ci posso fare? Sarei stupido e ipocrita a nascondervelo, tutto quest’amore e ammirazione che esplode, per certi aspetti improvvisamente nei confronti di un artista, non può non farmi/farci riflettere, altrimenti l’unica cosa che rimarrebbe da fare, a noi altri artisti ancora vivi, sarebbe quella di provare invidia, e io non voglio invidiare, io voglio capire, voglio cercare di comprendere, e se non vi riesco allora desidero morire, morire per godermi tutto quello che si scriverebbe su di me. Come? Voi vi state chiedendo come ci riuscirei? Questione di stringhe, non quelle delle scarpe, bensì quelle della famosa teoria (Teoria delle stringhe – Universi paralleli) di cui io ho trovato la chiave. E voi potete anche essere scettici e non credermi, ma perlomeno non fate gli ipocriti, sapete bene che questo è in realtà il sogno segreto di quasi tutti noi, specialmente se poco apprezzati in vita. Purtroppo, però il rischio che non ricordi dove ho messo la chiave c’è, ed è per questo che allora un coccodrillo, intanto, me lo sono fatto da solo e ve le riporto alla fine di quest’articolo in un gioco che a Chiara avrebbe sicuramente divertito, perché anche se io non l’ho conosciuta personalmente, scusatemi la presunzione ma credo di aver capito qualcosa di lei che altri hanno avuto modo di apprezzare frequentandola in vita, e che noi artisti di un certo tipo percepiamo a distanza.

Chiara ha frequentato il Corso Superiore di Arti Visive della Fondazione Ratti e divenne celebre in ambito artistico nel 2010 durante una lecture alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino, e pur non avendo un curriculum internazionale aveva avuto la fortuna di essere stata invitata da Carolyn Christov-Bakargiev alla Documenta del 2012, dopo che quest’ultima aveva avuto modo di ascoltare e assistere tra il pubblico a un suo talk che consisteva nel raccontare (e ci tengo a precisare raccontare, non spiegare) in maniera non ortodossa il proprio lavoro. Questo avvenne sempre nel 2010 (anno magico per lei) nello spazio non profit per l’arte contemporanea della periferia romana 26cc, invitata da Cecilia Casorati e Sabrina Vedovotto. Pare che a destare l’interesse di Carolyn sia stato l’attivismo di Chiara nei confronti dei diritti delle donne, questione da sempre cara alla famosa curatrice e pertanto valore aggiunto nel lavoro di un artista, esattamente come lo è quello di tutti coloro che con cuore e anima combattono contro ogni tipo di discriminazione. Per cui giusta e oltremodo coraggiosa la scelta della Bakargiev, brava!

UN’ARTE ANTICONFORMISTA

Purtroppo, però quella che a detta di molti è stata una carriera fulminante non deve aver aiutato la Fumai che era soggetta a depressioni. I suoi stati depressivi si erano accentuati proprio nel periodo precedente quella sua folle decisione finale. Lei stava vivendo, a detta di alcuni, un momento di vita privata molto delicato, e forse già amareggiata chi sa da cosa è sopraggiunta qualche brutta notizia, che ha fatto scivolare quell’ultima crudele goccia in un vaso già colmo di disperazione che è così tracimata. Sì! Proprio quel suo personalissimo vaso di Pandora regalatogli chi sa da chi, e dal quale estraeva nuovi dolori da mostrare crudamente al mondo come solo lei sapeva fare con i suoi lavori e le sue azioni. Chiara Fumai era una brava e risoluta artista anticonformista, che ci ha voluto parlare con toni forti dei mali del mondo cui lei era più interessata, e lo stava facendo bene: mettendo in luce con forza quello che voleva dire, e mostrandoci in controluce le debolezze di cui voleva parlarci. Tema a lei caro: il ruolo della donna, analizzato in maniera anarco-femminista, anche in relazione al sistema dell’arte dove spesso espletava il tutto con performance di femminismo “politico”, così le ha chiamate qualcuno.

“… Distruggi il tuo sesso maschile… Sei un maschio completamente egocentrico prigioniero di te stesso, incapace di osmosi con le cose del mondo, d’identificazione con gli altri, di amore, di amicizia, di affetto di tenerezza. Sei un animale totalmente isolato, incapace di relazioni con chiunque”.

Questo sembrò dicesse a me Chiara quando riattualizzò un durissimo testo della scrittrice e attivista femminista statunitense Valerie Solanas (quella che sparò ad Andy Warhol, per intenderci) con il quale vinse l’XI edizione del Premio Furla nel 2013. Ebbene sì! A volte mi sento così! Aveva ragione! Probabilmente è proprio questo il mio/nostro grosso problema (e il dilagare dei femminicidi ne è la prova). Il messaggio mi arrivò forte e chiaro e giuro che da allora ci sto lavorando e non cerco giustificazioni, ma se è vero che l’artista perfetto non esiste e che l’opera d’arte vive il suo massimo fascino nell’imperfezione, allora cara Chiara dammi ancora un po’ di tempo e fiducia e qualcosa di buono sono sicuro che riuscirò a tirare fuori pure io, e forse riuscirò a farmi capire senza dover arrivare alla seccante e tragica conclusione a cui arrivò Gerard Depardieu nel finale del film L’ultima donna del regista Marco Ferreri.

DEFINIZIONI E DOMANDE

Chiara a detta di molti era quasi sempre incazzata, “like me!…” mi verrebbe da dire, ma questo non ha importanza, e merita tutta la stima di chi ha voluto mettere nero su bianco, dopo la tragedia, la sua ammirazione, ma spero che lo abbiano fatto anche quando era in vita e presente con il suo segnalino su questo tabellone da gioco chiamato “vita”:

– Nicolas Ballario sostiene che possedeva il genio di un’artista sfrontata, che esibiva il coraggio di chi ha una visione. “Like me!…” sfrontato, coraggioso, ma idiota.

– Fabio Macaluso l’ha definita la più grande artista performativa italiana. “Like me!…”, chiaramente tra i maschietti perché le donne sono imbattibili.

– Pietro Marino così descrive quell’ultimo gesto: il mistero di una morte non annunciata e non presagita se non negli oscuri messaggi di un’arte generata dai tormenti della vita. “Like me!…” Anche le mie croci finisco spesso su piazza.

– Emanuela Longo, invece, ha detto che vi era una linea sottile, quasi impalpabile, tra la sua arte e la vita che emergeva dalle sue opere. “Like me!…” anch’io mi sento così.

Ma una domanda continuerà ad assillarci:

Chiara perché lo hai fatto? Eppure, le gratifiche e le soddisfazioni non ti mancavano, stavi preparando una mostra per l’anno prossimo lì nella galleria che ti stava ospitando, eri in procinto di un nuovo debutto con una grande mostra che avrebbe dovuto tenersi, non si è capito bene se da Rino (galleria Rino Costa di Torino Valenza in provincia di Alessandria) o da Guido (galleria Guido Costa di Torino), oppure da entrambe. E allora cara Chiara ti dico questo: tu per me, anzi per tutti noi, lontano fisicamente dal luogo della tragedia, sei viva, non sono io a dirlo ma è il paradosso del gatto nella scatola, quello di Schrodinger. E questo potrebbe valere anche per tutti coloro che ti hanno voluto bene o che dicono di averti/volerti bene. Inutili le polemiche, giusto che chi voglia continui a piangerti, ha tutto il diritto di farlo, ma credo sia altrettanto giusto che ora arrivi quanto prima il tempo di vivere la tua opera per la quale hai vissuto/vivi e quindi ricordarti con tutto quello che si fa, in genere, per ricordare un artista. Se questo sarà fatto, allora niente e nessuno potrà privarci della tua presenza, e il gatto nella scatola è vivo come tu sei viva in tutti noi, e continuerai a vivere tra noi con la tua dirompente opera. E per tutti noi che mai abbiamo avuto la fortuna di frequentarti tu sarai viva, viva, più viva che se tu lo fossi davvero. Perciò cara Chiara, sperando di aver fatto la mia parte con quest’articolo alla Boresta, ti saluto e forse ci si vedrà e ci s’incontrerà presto su qualche altra stringa dove potremmo approfondire i diversi, o gli stessi, punti di vista.

IL CASO PINO BORESTA

Quando Pino Boresta muore, il 6 febbraio del 2021, non ha ancora sessant’anni.

Alla radio l’amico Stefano W. Pasquini lo saluta come una delle figure più importanti del panorama artistico internazionale, le cui invenzioni sublimi hanno aperto, e apriranno, infinite porte per l’arte delle generazioni future. Un’affermazione che ha il sapore di una profezia, decisamente in anticipo sui tempi, come del resto tutta la vicenda di cui Boresta appare protagonista. In vita Pino Boresta è ignorato, se non osteggiato, dalla critica ufficiale. All’indifferenza degli addetti ai lavori si aggiunge però la marea montante di una stampa, quella non specialistica, capace solo di mettere in risalto e concentrare l’attenzione del pubblico sugli aspetti più provocatori e dissacranti della sua opera. Una tale combinazione di fattori ha creato come un “blocco”, una sorta di chiusura nei confronti di questo artista, ha fatto sì che una vera e propria comprensione del rinnovamento estetico da esso propugnato tra la fine dell’ultimo decennio del Duemila e l’inizio del successivo, potesse iniziare solo alcuni anni dopo la sua scomparsa, in concomitanza, da un lato, con la mutazione dei criteri e delle modalità di approccio all’arte contemporanea da parte della critica stessa, dall’altro con il cambiamento e l’evolversi dei costumi e degli usi della società. A fronte di un’arte concettuale che mostra evidenti segni di stanchezza, ma domina incontrastata il mercato e il panorama artistico italiano e internazionale, Boresta sceglie, a partire dal 2007, una via che di quella tendenza punta al superamento. Una tendenza minoritaria, che lo vedrà portare avanti quasi in solitaria un lucido discorso di rinnovamento radicale dei linguaggi, degli statuti e delle pratiche dell’arte stessa tramite una deroga dall’ipotesi concettuale che, all’epoca, appare ai più inconcepibile.  Condurre un’indagine su Pino Boresta è perciò impresa ardua. Difficile risulta dare una definizione univoca alla sua variegata e polimorfica attività, difficile inquadrare la sua inesauribile inventiva in un ambito definito, difficile giudicare il suo personaggio e infine orientarsi nella selva delle molteplici pubblicazioni che lo riguardano, senza confondersi le idee.

Chi era dunque Pino Boresta?

Da dove uscivano le sue mirabolanti invenzioni?

Divertitevi a ricomporre il testo originale tratto da Facebook a firma di Antonella Fabemoli, scovando le parole, le parti (in ordine di apparizione) da rimpiazzare con quelle originali qui sotto riportate:

Piero Manzoni

Piero Manzoni

1963

trent’anni

Lucio Fontana

Manzoni

Piero Manzoni

degli anni Cinquanta

informale

incontrastato

Manzoni

1957

Pittorica

Piero Manzoni

mille

Piero Manzoni

Il libro/saggio dal titolo “Il caso Piero Manzoni ‒ Quando l’escremento diventa Arte” di Antonella Fabemoli si può acquistare su Internet sul sito: ilmiolibro.kataweb.it.

Pubblicato sul sito di“Artribune” 26 novembre 2017

Questo il cappello a cura della redazione:

La morte di Chiara Fumai ha profondamente colpito il mondo dell’arte, Pino Boresta posa il suo sguardo d’artista sull’intera vicenda, sottolineando la necessità di mantenere viva l’opera della Fumai nel presente, mentre la galleria di Guido Costa, a Torino, le dedica la prima mostra dopo la sua scomparsa.

In foto:

Alcuni miei ritratti digitali di Chiara Fumai come omaggio a lei ed alla sua opera, una fotocomposizione di me.

ARIA x tutti

ARIA. Una rivista fuori dagli schemi

Pasquale Altieri (1), Paolo Angelosanto (2), Barbara Ardau (2), Mimmo Di Caterino (2), Angelo Bellobono (2), Emanuele Beltramini (1), Luca Bidoli (1), Flavia Bigi (1), Arianna Bonamore (6), Pino Boresta (8), Andrea Caminiti (3), Flavio Capotorti (1), Mariano Chelo (1), Lara De Angelis (1), Carlo De Meo (7), Roberto De Simone (1), Baldo Diodato (1), Fa+ (2), Emanuela Fiorelli (2), Sandro Fogli (3), Gastrovisione (1), Francesco Impellizzeri (3), Antonio Lombardi (2), Aldo Olivo (2), Cristiana Pacchiarotti (4), Raffaello Paiella (2), Laura Palmieri (2), Bruno Parretti (2), Mattia Pellegrini (2), Giovannella Porrini (1), Claudia Quintieri (3), Paolo Radi (2), Paola Romoli Venturi (5), Mariarosaria Stigliano (1), Mario Tosto (3), Alfredo Pirri (4), Cesare Pietroiusti (3), Carla Accardi (2), Pablo Echaurren (4), Alessandro Scarabello (3), Ciriaco Campus (1), Sergio Fermariello (2), Giorgio De Finis (3), Simone Bertugno (2), Francesco Balsamo (1), Vito Bongiorno (1), Marco Sibillio (1), Botto e Bruno (1), Gea Casolaro (1), Andrea Ceretto (1), Laura Della Gatta (3), Paolo Desideri (2), Gilberto di Stazio (1), Mario Guerra (1), Enrico Iuliano (1), Elena Pugliese (1), Andrea Lanini (3), Ria Lussi (1), Nora Lux (2), Rita Mandolini (4), Carla Mattii (1), Armando Moreschi (4), Chiara Mu (1), Dario Neira (1), Franco Ottavianelli (5), Daniela Perego (1), Gianni Piacentini (5), Serena Piccinini (1), Paola Ricci (4), Livio Rotondo (1), Fabrizio Sacchetti (3), Claudio Scanzani (3), Carlo Stoppa (1), Daniele Villa (3), Giovanni Albanese (2), Marco Colazzo (1), Maria Migliore (1), Pino Modica (2), Renzogallo (2), Sergio Lombardo (1), Tommaso Binga (2), Stefano Benni (1), Gianni Asdrubali (3), Ali Assaf (3), Paolo Assenza (4), Tania Campisi (4), Riccardo Caporossi (4), Laura Cionci (2), Iginio De Luca (3), Massimo Diosono (2), Andrea Fogli (2), Simona Frillici (4), Dario Ghibaudo (3), Myriam Laplante (4), Franco Losvizzero (4), Roberto Piloni (2), Lino Strangis (4), Naoya Takahara (3), Franco Troiani (2), Roberta Nicolai (1), Enea Tomei (1), Carlo Quartucci (1), Carla Tato (1), Vincenzo Preziosa (1), Maurizio Tatangelo (1), Massimo Arduini (2), Luigi Battisti (1), Brigates (1), Giuseppe Casaburi (1), Krzystof Czyzewski (1), Daniela de Daulis (1), Fausto Delle Chiaie (1), Rebecca Dyer Szabo (1), Licia Galizia (2), Irene Gavioli (2), Werther Germondari (3), Carlo Gianferro (1), Carlo Gori (1), Gianfranco Grosso (1), Piotr Hanzelewicz (1), Hogre (1), Marco Imperi (1), Alfonso Maria Isonzo (2), Rosa Jijon (1), Gianluca Lombardo (1), Franca Marini (1), Silvia Massotti (1), Salvatore Mauro (1), Veronica Montanino (3), Stefania Perna (1), Pasquale Polidori (1), Daniele Spanò (1), Jacqueline Tune (2), Andrea Valentini (1), Maya Zincone (1), Alfredo Granata (1), Felice Levini (1), Lucamaleonte (1), Luca Patella (2), Luigi Ontani (2), Giuseppe Salvatori (1), Marco Samorè (1), Cesare Viel (1), Elisa Vladilo (1), Santino Drago (3), Matteo Fato (2), Izumi Chiaraluce (2), Nicola Alessandrini (1), Edoardo Aruta (1), Sara Basta (1), Teal Baskerville (1), Paolo Bielli (3), Pino Buffa (1), Alessandro Calizza (2), Daniele Canonica (1), Daniele Carlo Maria Casaburi (1), Consuelo Celluzzi (1), Paolo Consorti (2), Mario Cuppone (1), Daniele Contavalli (2), David Pompili Davil (1), Michele de Luca (2), Stefania de Mitri (2), Mauro Di Silvestre (1), Ermanno Dosa (1), Epvs (1), Stefania Fabrizi (3), Rebecca Goldman (1), Sandra Hauser (1), Micaela Lattanzio (1), Ovidiu Leuce (1), Tiziano Lucci (1), Pablo Mesa Capella (1), Ugo Magnanti (1), Paulina Mikol Spiechowicz (1), Lisa Nonken (1), Omino 71 (1), Cristiano Petrucci (1), Anna Romanello (1), Jack Sal (1), Guendalina Salini (1), Maurizio Savini (1), Ananya Sikand (1), Danilo Torre (1), Chelsea Torres (1), Gian Maria Tosatti (1), Francesca Tulli (1), Vado (1), Fiorenzo Zaffina (2), Valentino Zeichen (1), Andrea Aquilanti (2), Petra Arndt (1), Francesa Romana Di Nunzio (1), Silvia Giambrone (1), Daniela De Paulis (1), abcd (1), Bruno Ceccobelli (1), Roberto Coda Zabetta (1), Alvin Curran (1), Paolo Dore (1), Rocco Dubbini (1), Daniele Galliano (1), Paola Gandolfi (1), Calogero Marrali (1), Marzia Migliora (1), Leila Mirzakhani (1), Valentina Parisi (1), Gino Sabatini Odoardi (1), Germano Serafini (1), Luca Vitone (1), Nicole Voltan (1), Vita Accardi (2), Andrea Levialdi Ghiron (1), Alessandro Piangiamore (1), Giovanni Lauricella (1), Pierpaolo Perilli (1), Piero Mottola (1), Elisabetta Benassi (1), Adriano Nardi (1), Giuliano Pastori (1), Giacinto Occhionero (1), John Cascone (1), Gioccachino Pontrelli (1), Francesca Pinzari (1), Andrea Martinucci (1), Luciano Perrotta (1), Fiorella Rizzo (1), Oreste Casalini (1), Daniela D’Areli (1).

GLI ESORDI

Vi state chiedendo il perché di tutti questi nomi e soprattutto il significato di quei numeri tra parentesi? Ebbene sono tutte le genti (artisti, fotografi, architetti, poeti, scrittori ecc.) che a vario titolo hanno contribuito, almeno una volta con un loro lavoro, ad ARIA magazine, o che hanno preso parte a uno degli eventi organizzati dalla redazione.

I numeri tra le parentesi sono le volte che hanno partecipato/collaborato con ARIA.

Questa iniziativa editoriale, nata in seno al collettivo romano A.R.I.A. (acronimo di Artisti Romani riuniti In Assemblea), che si riuniva intorno a due noti artisti romani (Cesare Pietroiusti e Alfredo Pirri), è stata fondata da Cristiana Pacchiarotti, Carlo De Meo, Pino Boresta, Arianna Bonamore, Tania Campisi e Mario Tosto. Nel tempo hanno collaborato per brevi periodi anche Giorgio de Finis, Angelo Bellobono, Gianni Piacentini, Franco Nucci, Roberto Piloni.

La rivista è uscita per la prima volta con un numero zero sperimentale nel dicembre 2011 in occasione della Giornata del disorientamento dal titolo da mezzogiorno a mezzanotte, tenutasi al Teatro Valle di Roma da A.R.I.A. al Valle Occupato.

Il numero uno vedrà la luce nel marzo 2012 con il nome di A.R.I.A. underground e con un titolo tematico che sarebbe cambiato ogni volta. Per questo primo numero venne scelto il titolo ROSSO. La presentazione in pompa magna venne fatta nello spazio AREA del Macro, una bella sala tutta rossa. L’idea geniale che contribuì in maniera determinante alla sopravvivenza della rivista per due anni in un settore editoriale sempre e perennemente in crisi fu quello di pensare una pagina bianca tra le pagine del magazine nella quale ogni volta dieci autorevoli artisti realizzavano un intervento unico che veniva messo in vendita a 100 euro e che permetteva di trovare così i soldi per realizzare il numero seguente. Vincente risultò anche la decisione di realizzare ogni volta dieci copie trasparenti sulle quali affermati artisti realizzavano un intervento visivo unico, che veniva poi messo in vendita durante la presentazione della rivista.

Tra coloro che si sono generosamente prestati mi piace ricordare: Carla Accardi, Pablo Echaurren, Luigi Ontani, Sergio Lombardo, Tommaso Binga, Marco Samorè, Marzia Migliora, Giovanni Albanese, Cesare Viel, Alfredo Pirri, Sergio Fermariello e Cesare Pietroiusti, che intervenne anche su 99 copie del primo numero con altrettanti contributi cromatici sulle tonalità del rosso che furono messe in vendita a 20, 30 euro l’uno.

UNA RIVISTA IN EVOLUZIONE

Per il numero due di ARIA underground (presentato alla Fondazione Volume) si sceglierà un titolo tratto da un testo di Stefano Benni, non-si-sa-poi-cosa, proposto come slogan metaforico della condizione dell’attuale per “raffigurazioni dell’incertezza”, e a sostegno di una rinnovata energia partecipativa e comunicativa. Con questo numero, pubblicato nel luglio 2012, grazie anche al successo avuto con il precedente si deciderà di aumentare la tiratura che però raggiungerà le 1000 copie solo con il numero successivo.

Nel dicembre 2012 uscirà il terzo numero di ARIA, che perderà, dopo una lunga discussione redazionale, la sua appendice “underground”, e sarà dedicato quasi interamente al MAAM – Museo dell’Altro e dell’Altrove di Metropoliz di Roma, che proprio in quei giorni stava nascendo grazie all’antropologo, artista e curatore Giorgio de Finis. Questo numero, nato dalla necessità di modificare le proprie certezze per esplorare territori ignoranti e per scoprire il senso della realtà con occhi nuovi, sarà presentato proprio al MAAM e vedrà la partecipazione di Vita Accardi in una breve pièce con il singolare oggetto di scena Uovo pineale di Luigi Ontani.

Per il primo anno di vita di ARIA (anche se un po’ in ritardo sui tempi) nell’aprile 2013 si organizzò l’evento Festa d’artisti alla Casa dell’Architettura (ex Acquario Romano) all’interno del quale mi venne l’idea di mettere in piedi e curare RiffARIA. Una sorta di tombola con le cartelle (da me rettificate e quindi diventavano loro stesse delle opere) all’interno di ogni numero della rivista che, venduta a 20 euro, dava il diritto a partecipare alla riffa. In palio opere di artisti visivi a supporto di ARIA (rivista indipendente e totalmente autofinanziata). Per quest’occasione donarono le loro opere anche: Gianni Astrubali, Ali Assaf, Matteo Fato, Myriam Laplante, Veronica Montanino, Franco Losvizzero.

LA CONCLUSIONE

Arriviamo così al numero quattro, non con poca fatica, e a seguito di discussioni, ripicche, diverbi e litigi continui inevitabili quando si mettono insieme più di tre artisti, del resto anche le importanti riviste Dada non arrivavano quasi mai al secondo numero, e noi invece eravamo già al quarto, eureka direi io…. Il numero quattro di ARIA (che vanta al suo interno la presenza di un testo poetico di Valentino Zeichen) vide la luce nel giugno 2013 con il titolo C’era una volta una volta sola che come sempre era pure il tema sul quale tutti coloro che volevano partecipare dovevano mandare le loro opere che venivano poi da noi selezionate e scelte. Selezionare, includere, escludere era un compito nel quale non mi trovavo mai a mio agio, in quanto conoscevo, e conosco bene, i meccanismi che lo determinano e lo regolano. Quello della scelta delle opere inviate per la pubblicazione era per me un’incombenza che avrei volentieri delegato ad altri, ma avevamo deciso fin da subito che la avremmo assolta sempre tutti insieme, perché solo così potevamo garantire una reale pluralità di visioni, e devo dire che, a dispetto delle controversie, delle dispute e finanche delle sceneggiate e quasi psicodrammi, riuscivamo sempre a trovare una quadra piuttosto soddisfacente, anche se probabilmente non raggiungemmo mai la perfezione perché la perfezione non fa parte della natura degli artisti. Ma grazie ad ARIA molti sono gli artisti che, affiancati ad artisti famosi e famosissimi, hanno avuto quella visibilità che difficilmente avrebbero potuto trovare da altre parti, ma forse sarebbe più giusto dire impossibile procurarsi gratis. Poi fu tempo per il collettivo di ARIA di organizzare anche un paio di mostre; una di queste, particolarmente risuscita, dal bislacco titolo TUFFFO, si è tenuta nel complesso architettonico Torre di Mola a Formia (Latina).

Infine, approdiamo, attracchiamo e sbarchiamo, con De-Siderio Dis-Astro, titolo/tema del numero cinque di ARIA, all’epilogo di questa faticosa ma divertente avventura. Il prologo e lo svolgimento, se avete avuto la pazienza di leggermi, ve lo sarete già sciroppato nelle righe precedenti in una breve storia non esaustiva, che del resto questo scritto non ha la pretesa di essere, ma che altri potranno sempre fare e che anzi spero che questo sia stato d’incoraggiamento. Quindi, prendete questo mio testo piuttosto come il sommario dei punti salienti della breve vita di un magazine d’arte fuori dall’ordinario, una rivista che ancora oggi desta molte curiosità proprio perché, come l’aria, è rimasta inafferrabile e nessuno ha ancora capito bene cosa fosse, cosa è stata realmente, è questo è un bene, questo, probabilmente, è ancora la sua forza e la sua bellezza. ARIA per me era un’urgenza espressiva, un urlo che doveva emergere, una voce, anzi tante voci che avevano la necessità di farsi ascoltare, ma soprattutto di farsi vedere per affermare “presenti ci siamo!”. Una rivista diversa che ha dato spazio alla bellezza di quello che Verdone definirebbe “famolo strano” e che a molti non solo è piaciuta ma li ha portati a impegnarsi nel disperato tentativo di possedere la collezione completa dei sei numeri che probabilmente possiedono solo i soci fondatori.

APPENDICE

Approfitto di quest’articolo per ringraziare in maniera particolare i miei compagni di viaggio (soci fondatori e non) che con me hanno condiviso questa difficile ma eccitante esperienza, rendendo possibile mettere in piedi questa che più che una rivista è stata un’avventura. Avrei voluto spendere per ognuno di loro delle meritate parole e qualche ricordo, ma il tempo è tiranno e lo spazio deve rimanere leggero, per cui ho deciso che lo farò in seguito, forse in un libro se vi riesco. Ringrazio anche tutti gli artisti che hanno partecipato con una loro opera, intervento o altro almeno una volta alla rivista ARIA o a uno degli eventi da questa curata. Per i più pignoli in cerca di cavilli rendo noto che la lista dei nomi dei partecipanti rispetta un ordine misto. Un elenco formatosi durante la spunta per creare la presente lista in una sorta d’apparizione nei vari elenchi e indici, in ordine alfabetico (escluso il numero zero dove l’ordine alfabetico non è stato rispettato e per questo è inserito alla fine) dei vari numeri di ARIA e relativi eventi in successione temporale. Spero di non aver dimenticato nessuno, eventualmente me ne scuso.

Pubblicato sul sito di“Artribune” 19 agosto 2017

Questo il cappello a cura della redazione:

L’artista romano narra la breve ma fulminante epopea di una rivista d’arte lontana da qualsiasi standard, rivista che ha visto impegnato un incredibile numero di artisti, famosi e non.

In foto:

Titolo della rivista, i componenti della redazione, alcuni numeri di ARIA, io durante RiffARIA, il progetto di una pagina promozionale della rivista.

Artista di merda

Don’t let me down

Era il 2004, squilla il telefono: “Ciao sono Claudio Morici, ci siamo scambiati qualche e-mail e ti ho detto che ti avrei chiamato”. Claudio è un giovane scrittore e mi spiega, nella sua e-mail del 14 gennaio 2004, che sta curando un’antologia di scritti che uscirà a breve e sarà distribuita in tutta Italia, mi dice che il libro parlerà degli artisti di merda di cui secondo lui io sono uno dei rappresentanti di spicco. Io m’irrigidisco un po’, ma Claudio è un abile parlatore e con il linguaggio ci sa fare (è il suo pane quotidiano e diverrà la sua professione, chi lo conosce sa di cosa parlo), e mi rivela che il libro s’intitolerà Teoria e tecnica dell’artista di merda; il termine è preso da un libro autobiografico di Philip K. Dick Confessioni di un artista di merda, e sostiene che sarà una sorta di manifesto, ironico e militante, sui processi creativi. Mi spiega poi che la terminologia “Artisti di Merda” non è in accezione denigratoria, tutt’altro, e aggiunge che ci sono personaggi illustri che sono stati e sono artisti di merda, e lui stesso è un artista di merda. Insomma me la incarta bene bene e ci mette poco a convincermi. Dice che vorrebbe mettere nel libro il mio lavoro di Web Art Dove vanno a finire gli spermatozoi quando non raggiungono l’ovulo?.

Io e il Morici siamo poi diventati cari amici e, anche se non riusciamo a vederci spesso, tra noi si è accesa quella fiammella che a volte si accende tra due persone, e che difficilmente si spenge. Lui è l’unico che quando, nel 2012, seppe che ero in ospedale per la terza volta per una TURP (resezione transuretrale della prostata, che poi mi procurerà quella sterilità di cui parlo proprio nel punto 9 del mio intervento sul libro del Morici) non ben riuscita, ha deciso immediatamente di venirmi a trovare. Questi sono atti d’affetto che non si dimenticano, anche perché lui è rimasto uno dei pochi con il quale ogni volta che ci vediamo riesco a farmi ancora un sacco di risate e, in alcuni sconfortanti momenti della vita (me l’ero vista brutta a causa di una brutta emorragia), due risate possono aiutare a superare la depressione. Quando uscì l’antologia curata da Claudio, fui entusiasta che mi fossero state dedicate dieci pagine all’interno del libro, e se la definizione “Artista di Merda” non mi fece diventare famoso, ne fui comunque così orgoglioso che mi venne perfino l’idea di organizzare una mostra/azione da presentare durate la Biennale di Venezia come evento collaterale, invitando tutta una serie di artisti che secondo noi appartenevano alla categoria. Il progetto fallì quasi subito, al secondo incontro con Claudio nel solito bar di Roma. Era un progetto al di sopra delle nostre possibilità e mezzi, e le poche persone che tentammo di coinvolgere c’è mancato poco che ci ridessero in faccia, anzi qualcuno lo fece.

CONFESSIONI D’ARTISTA

Qualcuno si starà chiedendo perché mai racconto tutto questo proprio ora? Ora che, come molti sanno, i miei problemi sono ben altri. Vi confesso che me lo stavo chiedendo pure io, sono quindi andato a prendere il libro di Claudio pubblicato nel 2004 Teoria e tecnica dell’artista di merda, della Casini editore (diventato nel frattempo rarissimo), l’ho sfogliato e, dopo qualche pagina, ho capito che il mio inconscio sempre vigile e più intelligente di quanto lo sia io si era ricordato di quella dicitura che tra le note avevo fatto aggiungere a Morici. Così recita: Stando a quello che mi ha detto, Pino Boresta non solo è un “artista di merda”, ma anche un “artista morto de fame”. Evidentemente fin da allora avevo capito quale sarebbe stato il mio destino infame, ma probabilmente non pensavo che sarei mai arrivato fino a questo punto, fino al punto di coinvolgere e portare nel baratro tutta la mia famiglia. Loro, soprattutto i miei figli, che amo più di ogni altra cosa, tutto questo non se lo meritano. Loro, tutti e tre, sempre con ottimi risultati scolastici che non posso mai ricompensare. Tutto merito di mia moglie, sia ben chiaro, io non avrei mai sperato di avere a casa tre geni (Sì! Sì! Lo so, ogni scarafone è bello a mamma soja, ma così è), io intervengo solo quando subentrano difficoltà con la Matematica, l’Inglese e chiaramente l’Educazione Artistica. Ma in questo mondo infame, dove il cinismo è imperante, dove lo Stato che avrebbe il compito di occuparsi delle famiglie più bisognose, intervenendo proprio lì dove ci sono forti elementi di fragilità economica, procede invece facendo esattamente il contrario di quello che, per bocca dei politici, viene promesso nelle trasmissioni televisive, a favore delle famiglie e, in particolar modo, di quelle, numerose, con basso reddito. Non ci hanno tolto soltanto l’esenzione ticket e molte altre agevolazioni, ma ci hanno tolto la speranza di farcela, la speranza di sopravvivere e, invece di aiutarci, ci stanno aumentando in maniera spropositata i ratei abitativi. Sarebbero questi gli aiuti per le famiglie che tanto vanno strombazzando a destra e sinistra? Ma ho deciso, e qui ve lo giuro, che chi tira le fila di questo gioco, tutti quelli che sono i responsabili di questo stato di cose, non mi faranno rimpiangere la mia (anzi la nostra) decisione di mettere al mondo tre figli splendidi ai quali non sto riuscendo a garantire quella tranquillità che sarebbe giusta, specialmente durante l’adolescenza.

IL VALORE DELL’AMICIZIA

In questi giorni incomincio a credere che la colpa di tutto quello che ci sta succedendo sia mia, perché in un mondo dove le corporazioni, le relazioni tra le persone sono sempre più importanti, indispensabili, inevitabili, necessarie, fondamentali al punto tale che se le trascuri la fine che fai è quella mia, avrei dovuto fare qualcosa di più, qualcosa di diverso. Eppure io non sono quel tipo d’artista cui si può rimproverare di stare chiuso nello studio, fuori dal mondo. Ma purtroppo, allo stesso tempo, non sono quello che si dice un simpaticone particolarmente abile a tessere relazioni e alleanze. E non parlo solo delle PR all’interno del mondo dell’arte, ma in generale. Qualcuno in una chat privata mi ha fatto notare che per raggiungere l’obiettivo del crowdfunding (che parzialmente ci aiuterebbe a superare questo forte momento di difficoltà economica) sarebbe stato sufficiente che meno della metà dei miei amici su Facebook mi avesse supportato con l’offerta minima: infatti, 200 (amici) x 30 (euro) uguale 6000 euro tondi tondi. Tutti ricompensati con le mie ambite (a detta di alcuni) smorfie adesive. Io però gli ho fatto presente che questo non è un ragionamento sostenibile, e nessuno dei miei amici di Facebook deve essere biasimato se non partecipa al crowdfunding, poiché ognuno deve fare quello che può e quello che si sente di fare relativamente alle proprie possibilità. Inoltre, a mio modo di vedere, il significato della parola “Amico” sta assumendo una valenza diversa, che si affranca dalla subordinazione a certe azioni che quelli che una volta si chiamavano “Amici veri” erano quasi costretti ad adempiere. Amici con i quali ci si conosceva profondamente, grazie a tanti bellissimi e bruttissimi momenti passati insieme, e quindi ci si amava. Ora è impensabile che si possa avere 5000/10.000 amici, o 500 veri amici, ma io non considero questo nuovo aspetto dell’amicizia riguardante i social media una deformazione dell’amicizia e non vedo tutto questo con sospetto e negatività, ma anzi ne apprezzo i grandi vantaggi che tutti sappiamo e che mi hanno permesso, perlomeno, di ottenere quel minimo che ho raggiunto, se non altro in termini solidarietà (e non solo), e del quale diversamente non avrei potuto godere. Ma non sono qui per fare un trattato sull’amicizia, o sul come questa parola tanto importante nell’esistenza sociale di un essere umano stia modificando il suo valore, alla luce dell’avvento dei social media. Né ho intenzione di vivisezionare la nuova valenza della parola “amicizia”, i suoi riferimenti di fondo e quelli nuovi che stanno nascendo. Questa è materia di studio per la sociologia contemporanea e lascio che siano i sociologi a occuparsene o gli scrittori interessati alla questione. Io non sono un sociologo né uno scrittore, ma un artista che, navigando tra mille difficoltà, cerca non di farsi accettare dal mondo dell’arte, ma di esistere e dare senso e valore alla propria presenza su questo palcoscenico chiamato mondo.

ARTISTA MORTO DE FAME. AMICI CERCASI

Qualcuno mi ha accusato di fare del pietismo, e forse ha ragione, ma che altro avrei potuto fare se non cercare di uscire da questo nostro (mio e della mia famiglia) infausto momento con quello che so fare meglio e faccio da trent’anni, e cioè il mio lavoro d’artista? Potevo non rivolgermi al mondo dell’arte? O, come ha scritto giustamente qualcuno, “cercare rifugio nell’arte”? Nell’arte con la mia arte e nella comunità artistica che, nel bene e nel male, è quella che più frequento e all’interno della quale ho vissuto e sto vivendo. Me lo sono chiesto, e vi assicuro che altre strade, o soluzioni diverse, io non le ho viste. Solo il tempo mi dirà se ho fatto la cosa giusta, ma, anche fosse stata una decisione sbagliata, non me ne pentirei, del resto non sarebbe la prima volta che sbaglio e probabilmente non sarà l’ultima. Posso solo sperare che qualcuno abbia in questo modo avuto la possibilità di capire di me un pezzettino in più, e chi non mi avrà capito, pazienza, non si può piacere a tutti. Io non posso cambiare quello che sono, il mio stile di vita, la mia cifra artistica, il mio essere artista di merda e morto di fame, solo per qualche amico in più.

Help me if you can, I’m feeling down

P. S. Le scritte in inglese sono citazioni dalle canzoni degli Scarafaggi.

Pubblicato sul sito di“Artribune” 10 aprile 2017

Questo il cappello a cura della redazione:

Dopo aver lanciato il Crowdfunding per dare a sé stesso a alla propria famiglia la possibilità di superare un momento difficile, l’artista romano approfondisce le ragioni del suo gesto, e riflettere sul concetto di amicizia ai tempi dei social network.

In foto:

Io, Claudio Morici, i libri di Philip K. Dick e Claudio Morici, una mia foto-composizione.